Entrevista
al escultor húngaro Zoltán.
Zoltán Gábor
Fodor-Lengyel nace en Budapest (Hungría) el 1 de marzo de 1963.
Formado como artista entre Budapest y París, Zoltán ha recibido numerosos
premios y ha expuesto en más de veinte ciudades. Su carrera profesional
comienza sólo con tan sólo veinte años, cuando firma un contrato exclusivo con
la Galería Art 3000. Tres años después, en 1986, se convierte en director
artístico de esta galería.
Desde hace treinta años vive y trabaja en Madrid,
donde dirige la Fundación Apoyo el Arte,
organización sin ánimo de lucro creada por Zoltán con el objetivo de realizar
una mayor difusión de las artes plásticas contemporáneas.
El artista declaró estas palabras a priori de realizar la
entrevista común:
“Yo siempre he estado buscando el mensaje, estos mensajes
vienen de mis vivencias personales, pero tambiñen vienen de la cultura, de
estar informado, de leer, de escuchar música, estudiar mucho, hablar con la
gente, viajar y estar abierto, y después de esto encontrar lo que quieres
hacer.
Yo normalmente cuando estoy pensando en hacer un nuevo
trabajo me paso meses estudiando, escribiendo, no dibujando.”
Premios que recibió el artista:
1988 Internacional Gran Premio
Goya de las Artes ( Asociación Belga-Hispánica )
1997 Premio Movimiento Olímpico
2006 Premio Alvaro Mutis
2007 Nombrado Excmo. Académico Correspondiente en la Real Academia de Bellas
Artes de Cádiz
2008 Medalla de Oro de la Real Academia de Bellas Artes de Cádiz
2011 Premio Ciudad de Cegléd
A la hora de empezar
una obra, ¿en qué se inspira?
Nunca pinto un cuadro único, normalmente pinto muchos. Antes
de empezar una serie, necesito meses de trabajo intelectual, de recoger las
ideas, que quiero contar, que quiero pinta. Cuando ya lo se entonces tengo que
buscar la manera de pintar, en qué estilo, que tonalidades, que tamaños, que
formatos. Ya tengo todo escrito en un papel y entonces es cuando cojo los
primeros lienzos. Y ahí veo si funcionan con el lienzo o no.
Los primeros lienzos son como tanteos, qué quiero cambiar,
que desarmo, qué tengo que hacer de otra manera. Como se tratan de series de 40
obras necesitas este tipo de preparación.
Cuando veo que la idea funciona, a partir de ahí, cojo los
30 lienzos y normalmente los pinto en el mismo tiempo.
Cuadro: Homenaje a
Puskas
Como soy de origen húngaro, casi todos los años viajo a
Hungría y también represento la cultura húngara en todos los sitios donde estoy
exponiendo. La embajada húngara cuenta conmigo, yo soy como el embajador
cultural de Hungría. Yo me siento muy español pero, evidentemente mi infancia y
mi aprendizaje me lleva hasta ahí. Normalmente como tengo buenas relaciones con
la diplomacia húngara surgió el tema de la donación del cuadro al real Madrid
por homenaje a Puskas y pensaron en el único pintor húngaro que vive aquí en
España.
¿Por qué tanto apego
a la cultura popular en su obra?
Evidentemente viviendo 30 años en España, en algún momento
tienes que hacer un homenaje a España, entonces hace 25 años cuando pensaba
hacer un primer homenaje, en aquella ocasión no quería tratar a España con un
homenaje tan trivial como los toros o el flamenco, aunque soy aficionado a las
dos cosas me parecía muy trivial.
En el año 91 hice un homenaje a través de la cultura
española, a través de la pintura, esto fue la serie homenaje al Greco.
Pasados los años llega un momento cuando dices, siendo muy
taurino y aficionado a la cultura popular, decidí hacer un homenaje a España
con estos dos temas. Es la cultura más profunda, más importante y más
internacional.
Es importante captar el movimiento, tanto de las flamencas
como de los toreros. Yo he ido a academias de bailes de amigos míos para
fotografiar, captar el movimiento.
Mis figuras no son realistas, siempre estoy buscando un
lenguaje diferente.
El mensaje de estos cuadros es el duelo entre el toro y el
torero, entre la vida y la muerte, el sol, la sangre… los simbolismos del mundo
taurino.
Igual que en el flamenco, el movimiento circular del
bailarín, la falda, …
¿Cuál es su visión
del arte moderno en España?
Es bastante caótica en las últimas épocas, ya no existen las
escuelas, las tendencias como hace tiempo. El arte contemporáneo después del
pop art acaba muy individualizado, cada uno hace lo que le da la gana. En
España también, como en el mundo.
En las últimas décadas se ha empezado con el arte
conceptual, el videoarte, todavía más alejado del puro arte. Se ha equivocado a
muchos directores de museos con estas tendencias porque realmente el público
necesita un arte que no sea una bañera llena de sangre en una esquina. Esto no
lo consideran como arte de verdad.
Ahora mismo por el público los artistas están volviendo a
ser más realistas, más trabajados, sobre lienzo. Se ve que hay algo detrás, no
solamente un chiste o una tomadura de pelo.
¿El arte tiene que
ser fácil de entender para el público?
Fácil de entender, quien sabe. Yo cuando escucho a la gente
decir “yo no entiendo el arte” siempre contesto “¿y quién entiende el arte? ¿El
artista? No, ¿El crítico de arte? No, porque normalmente es un pintor
frustrado, que vive de decir idioteces y de inventar. ¿El galerista? Tampoco,
es un hombre de negocios, vive de nosotros. Entonces ¿quién entiende el arte?
El público, vosotros.”
¿Cómo cree que se
trata el arte en el periodismo actual?
Existen los periódicos especialistas de arte. De alguna manera tu puedes ver que en los
periódicos nacionales siempre tienen una sección de arte o de cultura, y dentro
de la cultura dedican una parte al arte, o los dominicales suelen dedicar más
páginas para algo de arte.
Pero son pocas, comparando el número de páginas de futbol,
con las de arte…
Cuando hay una exposición nueva sale 20 segundos en el
telediario, pero lo bueno y lo más profundo no lo suelen tratar,
Como han tratado los
medios su arte
Yo estoy muy contento, se han hecho muchas críticas,
entrevistas, cerca de 30 documentales, entrevistas en la radio, en la tele… Yo
no puedo quejarme, mi protagonismo podría sr todavía más, pero ya es bastante.
Estamos hablando de un artista, no de una estrella del pop.
Cómo han influido las
nuevas tecnologías en su obra
Ha influido mucho, al final es un portal importante donde
pueden llegar muchas más personas que en directo en una galería.
Considero importante twitter, facebook y tu propia página
personal para tener contacto con el mundo.
Con respecto a la venta de las obras de arte en total he
vendido 2, yo no creo que se vendan muchas. A la gente le gusta verlas, tocar
la obra…
¿Para usted las
nuevas aplicaciones para móviles y tablets suponen una democratización del
arte?
¿Por qué no? Yo siempre digo que expresar tus pensamientos
es libre.
Cómo describiría
usted su obra
Mal, ya aprendí de los críticos, ya me considero como
“expresionista lírico”, me gustó y ahora lo digo, yo soy expresionista lirico y
además muy intelectual (risas). No sé, yo digo que soy figurativo, En cualquier
serie mía tú ves la figura humana. Lo que más me interesa es el movimiento del
ser humano.
En mi juventud estudie en la Sorbona, conocí a un famoso
bailarín que fue el creador del ballet moderno (Maurice Bernardt). Yo tenía 19
años salía de Hungría y estaba estudiando ahí, me acerqué a la ópera de parís
donde estaba ensayando la compañía de este bailarín, les expliqué que estaba
ahí para ver cómo lo hacían, porque me interesaban los movimientos del cuerpo y
dijo el maestro “vale, pues cámbiate”, le expliqué que era estudiante de arte y
que quería dibujarles, entonces me volvió a decir que me cambiase. Finalmente
dijo que iba a bailar con ellos porque era así como iba a entender e iba a
sentir lo que era el cuerpo.
Estuve durante un año bailando con ellos sin ser bailarín,
sudando sangre, con esto quería explicar que a mí me interesa el cuerpo humano,
los diferentes momentos del ser humano; felicidad, tristeza, amor, desamor, la
vida, la muerte, cómo nos afectan estos temas, qué respuestas tenemos.
Como soy hombre me interesa mucho el cuerpo femenino, tu
puedes ver muchas obras mías que son cuerpos de mujeres porque estoy buscando
la belleza. Mi obra tiene que ser un mensaje de la belleza. A mí nunca me
gustaba el tipo de arte documentalista, sobre la guerra, etc. porque ya tenemos
bastante. Creo que el arte tiene que ser algo que te de una pausa y consigas
tener un descanso de la vida en general y por eso yo creo que intento que mi
arte sea un trampolín hacia este mundo bello.
¿Debe tener compromiso
social el arte?
El compromiso social no significa que tienes que dibujar la
guerra de Boston, yo puedo dar más mensaje a través de algo más bello.
¿Hay precios para
todos los bolsillos?
Yo tengo mis precios ya bastante considerados y tal, pero
creo que una persona normal puede comprar obra mía, no estamos hablando de
millones, además tengo obra gráfica, ediciones también para bolsillos más
pequeños.
¿Qué piensa del
mercado del arte?
El mercado del arte, os voy a decir una cosa muy triste, el
mundo del arte es muy sucio, depende de muchas cosas, sobre todo del tema de
depósitos, cómo hacen promociones, cómo explotan a un pintor,… es negocio, sin
publicidad no vendes nada, sin promoción no van a saber que existes.
El cuadro más famoso del mundo, la Gioconda, ha sido tan
famoso por pura promoción. En la expo de parís penaron que necesitarían algo
mas a parte de la torre Eiffel, y esto fue la Gioconda, le hicieron muchísimo
merchandaising.
Esto es lo que está pasando en el mercado del arte en
general. Es puro negocio.
¿Cómo es la facilidad de acceso?
El artista joven cuando empieza si no tiene la suerte de
encontrar una galería buena está perdido en el mundo.
Beatriz López Sutil
Redacción Periodística 3ºB
